Genauer gesagt, muss man Exit 8 wohl dem psychologischen Horror zurechnen. Zentrale Prämisse ist, dass der Protagonist nicht aus dem Gewirr der U-Bahn-Gänge in Tokyo herausfindet. Das dürfte für Tokyobesucher nachvollziehbar sein, da man durch die U-Bahn-Gänge halbe Stadtviertel durchwandern kann, insbesondere bei mehreren nahe beieinander liegenden Stationen.

Jedenfalls hat der im Zentrum des Films stehende Salaryman Probleme dabei den namensgebenden Ausgang 8 zu finden und muss sich seinem Horror stellen.

Regisseur Genki Kawamura war bislang überwiegend als Produzent tätig, so zum Beispiel für die Animefilme „Your name“ und „Weathering with you“. Exit 8 ist auch erst seine dritte Regiearbeit bei einem Live action Film.

Spannend ist auch, dass mit Backrooms aktuell eine US-Produktion mit einer ähnlichen Plot-Idee in den Kinos ist. Da lohnt dann doch der direkte Vergleich.

Dankenswerterweise zeigt das Neue Off den Film, wie immer in der Reihe „In the mood“ im Original mit Untertiteln.

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Vor dem Hintergrund der klassischen Gruselgeschichte werden zusätzlich gesellschaftliche Konflikte ausgetragen. Die literarische Vorlage vom Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts wurde schon in die Dreiziger Jahre verlegt, verhandelt trotzdem eher Themen aus der Produktionszeit des Films, wie die Pflichten gegenüber einer Gesellschaft, die für ihre Mitglieder nicht mehr sorgt bzw. sorgen kann.

Auch die Dämonen sind in diesem Film ihres Schicksals überdrüssig und wollen aus ihren Verpflichtungen ausbrechen. So gesehen geht es auch um das zeitlose Thema von Giri und Ninjo, also den Pflichen gegenüber der Gesellschaft und den eigenen Gefühlen.

Der Filmscore stammt von niemand geringerem als Isao Tomita. Er ist allerdings sehr typisch für dessen Werk an elektronischer Musik, vorzugsweise auf den großen Moog-Synthesizern gespielt, und bringt daher wenig Überraschungen.

Die York Kinos zeigen Demon Pond im Rahmen ihrer ostasiatischen Filmreihe „In The Mood“, in der immer wieder Klassiker des japanischen Kinos zu sehen sind.

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Die Geschichte des Films ist eine Liebestragödie Ende des 19. Jahrhunderts zwischen einem japanischen Arzt und eine Berliner Tänzerin. Sie hat also kaum verhüllte biographische Anklänge an Mori Ogais Berliner Zeit.

Masahiro Shinda ist als Regisseur der neuen Welle für Filme wie Assassination, Double Suicide oder Pale Flower bekannt. Unter seinen Literaturverfilmungen ist vor allem seine Version von Shusaku Endos „Chinmoku – Das Schweigen“ von 1971 zu nennen. Martin Scorsese hat die gleiche Vorlage später noch einmal verfilmt.

Außergewöhnlich ist auch die Tatsache, dass es sich um eine Deutsch-Deutsch-Japanische Coproduktion handelt. Es waren TV Asahi, die DEFA und der Hessische Rundfunk daran beteiligt. Zu den Hintergründen kann man bei der angekündigten Einführung von Beate Wonde, der ehemaligen Sammlungsleiterin der Mori-Ogai-Gedenkstätte, sicher mehr erfahren, da sie direkt involviert war.

Darüber hinaus gibt es auf dem diesjährigen NipponConnection Filmfestival in Frankfurt am Main noch mehr zu erfahren. Dort gibt es einen Vortrag zu deutsch-japanischen Coproduktionen der 80er Jahre von Daniel Otto und dort wird „Die Tänzerin“ übrigens ebenfalls gezeigt.

Unter den, eher aus Fernsehproduktionen bekannten deutschen Schauspielern, ist Christoph Eichhorn hervor zu heben, der den meisten durch Hans W. Geißendörfers Verfilmung von Thomas Manns Zauberberg bekannt sein dürfte. Komischerweise wird „Die Tänzerin“ nur im englischen Wikipedia-Eintrag in seine Filmografie genannt.

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Ästhetisch steht Godzilla Minus One seinem direkten Vorgänger Shin Godzilla (Hollywood Produktionen nicht mitgezählt) sehr nahe, nimmt aber auch Bezug auf die gute, alte Zeit, als Godzilla noch von Schauspielern in Gummianzügen verkörpert wurde.

Regisseur Takashi Yamazaki dürfte hier vor allem  für seine Film Eternal Zero (Eien no 0) und Space Battleship Yamato bekannt sein. Ansonsten dreht er überwiegend Mainstream-Blockbuster, wie die Always und Stand by me Doraemon-Reihen. Er hat aber auch schon mit Yuzo Itami (Tampopo, Die Steuerfahnderin oder auch Die Beerdigungszeremonie) hat er bei dessen Tanz am Abgrund (Daibyonin) zusammengearbeitet.

Also gibt es vor Weihnachten noch einmal großes Popkorn-Kino das zum Glück auch in hinreichend vielen Kinos anläuft. Dank des intelligent angelegten Plots dürfte auch die ein oder anderen Cineasten auf ihre Kosten kommen.

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Thema der Filme des Kollektivs sind die Dokumentation wiederständiger Praktiken. Dabei sind sie natürlich in ihrer Zeit den späten 60er / frühen 70er Jahren verhaftet. In den beiden anstehenden Filmen von Shinsuke Ogawa liegt zudem ein Schwerpunkt auf der Beobachtung traditioneller, landwirtschaftlicher Gemeinschaften. Ein Thema, dass wieder oder immer noch insbesondere aufgrund des starken demographischen Wandels in Japan eine Rolle spielt.

Dank ans Arsenal, dass die Filme nach der großen Retrospektive im Jahr 2019 nicht zu lange im Archiv lagern mussten bis sie wieder auf die Leinwand kommen.

16.08.2023 19:00 Uhr: Nippon koku: Furuyashiki-mura
19.08.2023 19:30 Uhr: Sennen kizami no hidokei – Magino-mura monogatari

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Kurutta ippeji spielt in einer Psychiatrie aus der ein Mann seine Frau befreien will. Die Wahnzustände werden filmisch umgesetzt und ziehen das Publikum so in die Welt des Wahns. Formal verlangt der Film den Zusehenden einiges ab, da er ohne Zwischentitel auskommt und teils in Rückblenden erzählt wird.

Vergleiche mit Stummfilmen wie „Das Kabinett des Dr. Caligari“ und Robert Reinerts „Nerven“ drängen sind geradezu auf.

Die Livebegleitung des Kollektivs Okabre, unter anderem mit Theremin, verspricht für die angemessene Stimmung zu sorgen, also genau der richtige Film für die Reihe „Stummfilme um Mitternacht“.

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Die Geschichte des Films wird aus den unterschiedlichen Perspektiven der Protagonisten erzählt, die jeweils völlig andere Bilder ergeben. Das Setting ist zwar das eines Jidaigeki (im weitesten Sinne Historien-/Samuraifilms), aufgrund der formalen Struktur, dass die Geschichte mehrfach aus verschiedenen Perspektiven erzählt wird, ist Rashomon selbst wieder prototypisch für nachfolgende Filme. Rashomon diente vielen weiteren Filmen als Inspiration, darunter selbst Star Trek Folgen.

Die Wahl des deutschen Filmtitel „Das Lustwäldchen“ kann ich bei dieser Geschichte um Mord und Vergewaltigung nicht nachvollziehen, aber er hält sich hartnäckig.

Zum Wiedersehen oder auch gut als Einstieg in den Kanon der japanischen Filmklassiker. Zudem wird der Film Open Air gezeigt, also genießt noch die letzten Sommertage.

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In die erste Kategorie fällt scheinbar „Der zweite Bruder“ aus dem Jahre 1959, während „Die Rache Gottes“ von 1979 seinem Spätwerk zuzuordnen ist und zu seinen bekannten Filmen gehört. In der Hauptrolle kann man hier Ken Ogata sehen, der in Paul Schraders Biopic den Schriftsteller Yukio Mishima verkörperte.

Die Rache Gottes 19:00 Uhr
Der zweite Bruder 21:30 Uhr

Beide Filme werden in japanischer Version mit deutschen Untertiteln gezeigt. Der Eintritt ist frei, Tickets gibt es auf der Homepage des Filmrauschpalasts.

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So versammelt die Hommage acht Filme von Mikio Naruse für die Mizuki und Tanaka die Drehbücher geschrieben haben. Diese repräsentieren den Beginn des Schaffen der Autorinnen. Gleichzeitig versammelt die Reihe damit auch einige der bedeutensten Filme im Werk von Regisseur Mikio Naruse, wie beispielsweise „Yama no oto – 山の音 – Musik des Berges“ mit Setsuko Hara oder „Nagareru – 流れる – Fließen“ mit Naruses bevorzugter Schauspielerin Hideko Takamine.

Wer japanische Filmdramen mag dürfte mit allen Filmen der Auswahl gut bedient sein mit der das Arsenal diese wichtigen Autorinnen des klassischen japanischen Films würdigt.

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Noch bis Ende September zeigt das Zeughauskino eine Retrospetive des japanischen Regisseurs Takahisa Zeze. Ich muss zugeben, dass mir bislang noch keiner seiner Filme über den Weg gelaufen ist. Umso spannender ist es, nun die Möglichkeit zu haben sich mit seinem umfangreichen Werk auseinander setzen zu können.

Seine Wurzeln hat Zeze im Genre des Pinku Eiga, also des japanischen Sexploitation-Films, welches Regisseuren immer wieder die Möglichkeit eröffnet Filme mit abseitigen Themen jenseits der Konventionen des japanischen Studiosystem verwirklichen zu können. Die Werkschau zeigt auch eine Auswahl von Filmen, die Takahisa Zeze in diesem Genre gedreht hat.

Der Übergang in andere Genres erfolgte dann mit Kokkuri-san, einem Drama vor okkultem Hintergrund, welches schon einige Elemente bekannter J-Horror Hits aus den späten 90ern (Ringu, etc.) mitbrachte. Interessanterweise drehte er seinen ersten Film außerhalb des Pinku-Eiga Genres ausgerechnet bei Nikkatsu, die sich in den Siebziger Jahren komplett der Produktion von Pinku Eiga und Roman Porno (kurz für: romantic porno) verschrieben hatten, so dass sogar der ehemalige Chef von Seijun Suzuki freiwillig seinen Hut nahm, aber das ist eine andere Geschichte.

Mit Hisuterikku konnte Zeze im Mainstream Kino Fuß fassen. Der Film ist eine Bonny & Clyde Geschichte in der japanischen Provinz.

Heaven’s Story

Heaven’s Story verlangt seinem Publikum mit fast fünf Stunden Laufzeit einiges an Ausdauer ab. Das komplexe Drama um die Folgen von Tragödien in den Leben der Protagonisten lief seinerzeit erfolgreich auf der Berlinale 2011

The Chrysanthemum and the Guillotine

Eine weiteres Highlight der Retrospektive ist sicherlich „Kiku to guillontine, Onnasumo to Anarchist – The Chrysanthemum and the Guillotine“ das während der späten Taisho-Ära (1912 – 1926) spielt. Anhand der Gesichichte einer weiblichen Sumotruppe und einer links-radikalen Gruppe thematisiert der Film die gesellschaftlichen Umbrüche der damaligen Zeit ohne dass die Themen an Aktualität einbüßen.

Kiku to guillotine gehört mit seiner auwändigen Produktion als Historiendrama zu den herausstechenden Filmen im Werke Zezes.

Hier findet ihr das komplette Programm der Werkschau im Zeughauskino.

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